Приветствую всех любителей музыки! Сегодня я начинаю публикацию музыкального уголка из борта НЛО, прямо на наш любимый БЛиК. Надеюсь что мои скудные знания и извращенный вкус никого не обидит. Так как публикация уголка идёт давно, я начну с сегодняшней темы. Так же как и раньше принимаются ваши заявки.
Не зря этот человек занимает одну из первых строчек музыкального уголка. Многие из вас прекрасно знают его творчество, но вероятно даже не видели его. Ну что ж сегодня день открытий - любите и жалуйте:
Вот вы вероятно спросите: откуда же мы его знаем? А теперь подумайте что вам говорит такой ряд: Бременские музыканты, Львёнок и Черепаха, Гардемарины, вперёд! и этот ряд можно продолжать. Да интересный факт: Изначально планировалось, что Олег Анофриев в мультфильме «Бременские музыканты» исполнит только партию Трубадура. Других героев должны были озвучить не менее известные актёры, среди которых Зиновий Гердт и Олег Янковский. Но в итоге к назначенному часу в студию пришёл только Анофриев, остальные по разным причинам не смогли. Анофриева, хоть он и был простужен, стали пробовать на все партии, включая авторский текст, и остались довольны результатом. Он даже пробовал исполнить роль Принцессы, но для этого у Анофриева не хватило диапазона голоса, поэтому Принцессой стала вокалистка Эльмира Жерздева.
Оле́г Андре́евич Ано́фриев (род. 20 июля 1930, Геленджик, СССР) — советский и российский актёр театра и кино, режиссёр, певец, автор песен.
Самобиография
Пунктиром, как велел редактор - очень коротко и по возможности с юмором.
Ну, что ж... Поплыли: Родился ровно шестьдесят семь с половиной лет тому назад в Геленджике в командировке. Уже смешно. Надо объяснить, что в командировке был отец? Не надо... и то хорошо. Сколько помню себя, столько и жил в Москве, на Смоленской площади. Отец - врач, мать - домохозяйка. Слово-то какое отличное - домохозяйка. Так оно и было, все подчинялось матери, красивой, талантливой хозяйке дома. А дальше все очень просто и короче не скажешь. Москва дала мне серый цвет лица, Война дала - в развитии отсталость, Коль благородство есть - так это от отца, А чувственность - от матери досталась.
Сознательность - мне привила жена, Ответственность - от внучки появилась, От долгого общения с тещей - седина, Талант - дал Бог. Лукавый дал - хвастливость.
P. S. писано в 1997 году от Рождества Христова.
Приглашая нас к раздумью
Не знаю, как в других областях человеческой деятельности, но в искусстве даже очень большое природное дарование лишь повод для надежды на успех. Здесь нужно еще по меньшей мере пять-десять различных слагаемых, которые в итоге дали бы желаемый результат. Среди них, конечно, и счастливый случай, удачное стечение обстоятельств, но главное - усердие, трудолюбие, выносливость.
Олег Анофриев хорошо окончил Школу-студию при МХАТе и получил приглашение в Центральный детский театр - в середине 50-х годов один из самых популярных в Москве. С первых же дней оказался плотно занят в репертуаре. Детские театры всегда испытывают острую нужду в молодых актерах. Сложнее здесь оставаться в зрелые годы: ролей все меньше, претендентов все больше. Вот почему те, кому это удавалось, взяв удачно старт, затем уходили отсюда во взрослые театры, уступая без боя место более молодым, разумно обеспечивая себя работой на будущее. Достаточно вспомнить Н. Черкасова, Б. Чиркова, О. Ефремова...
Другие оставались в тюзах на всю жизнь, мучительно искали переход на новые роли. Иногда фортуна оборачивалась к ним лицом. Тогда они начинали все сначала. И были счастливы сами, и приносили радость окружающим. Так случилось почти одновременно с двумя лучшими нашими травести - Л. Чернышевой и В. Сперантовой, когда они стали играть мам и бабушек. Но ведь не все оказываются готовыми к такой трансформации.
Правда, О. Анофриев говорит, что ушел из ЦДТ вовсе не потому, что на пятом году работы здесь, играя в знаменитом спектакле "В добрый час!", начал опасаться за свое будущее. Просто Николай Павлович Охлопков пригласил его на роль Хлестакова. Режиссер в каждой премьере открывал новых и новых актеров. Это он доверил Михаилу Казакову в 22 года Гамлета! Евгении Казыревой - Екатерину. По-своему пересказал "Иркутскую историю" Алексея Арбузова и заодно представил Светлану Мизери - Вальку, Эдуарда Марцевича - Сергея и Александра Лазарева - Виктора. Театр имени Вл. Маяковского в середине 50-х годов, как и ныне, один из самых интересных творческих коллективов, где разные, но очень яркие индивидуальности Н. Охлопкова и А. Гончарова раскрывались и раскрываются через актеров, которых они пестуют, ругают и снова пестуют.
Однако так бывает: режиссер предлагает, а жизнь располагает... Н. Охлопков не успел осуществить многие свои замыслы, и в их числе остался "Ревизор". А в это время Ю. Завадский и А. Шапс искали исполнителя на роль Василия Теркина. Так в трудовой книжке О. Анофриева появилась новая запись. Теркина он сыграл хорошо. Спектакль Театра имени Моссовета имел успех. Позже были и другие роли, но... О. Анофриев переходит в Театр-студию киноактера при "Мосфильме" и с той поры почти двадцать лет снимается в кино, выступает на концертной эстраде, выпускает пластинки, работает на радио и студии "Мультфильм", сочиняет музыку, пишет стихи, но больше не играет на сцене.
О. Анофриев снялся в шестидесяти (!) фильмах. "Секрет красоты", где он дебютировал в образе Эдика, неудачливого клиента парикмахера Кукушкиной, до сих пор остается, на мой взгляд, лучшей его работой в кинематографе, после которой Н. Охлопков и сделал ему предложение.В этой короткометражке О. Анофриев заявил о себе как актер, остро чувствующий форму, способный к гротеску, эксцентрике. Но кто из режиссеров кино и театра воспользовался столь редким его качеством? Да, ему предлагают центральные роли, он снимается, потому что это его работа. А к работе О. Анофриев всегда относится добросовестно и профессионально. Но чудо попадания на роль, увы, пока больше не повторилось...
У другого, возможно, опустились бы руки... Но, судя по последней премьере в Театре-студии киноактера, О. Анофриев находится в отличной форме. Моноспектакль "Тебе одной и об одной тебе" позволил проявиться всем граням дарования О. Анофриева, который в течение двух часов безраздельно занимает внимание аудитории. Как не похоже это представление на всем наскучившие "Творческие вечера" с "живыми" киноактерами, которые пересказывают одни и те же анекдоты, безжалостно эксплуатируя собственную популярность и популярность кино, злоупотребляя доверием публики.
О. Анофриев почти ничего не говорит о себе, о "тайнах" своей профессии. Но вводит зрителя в свой мир поэзии и музыки, стараясь не просто познакомить, но по-настоящему подружить нас с теми строчками, что особенно дороги ему. И здесь совершенно не важно, идет ли речь о Пушкине, Твардовском или поэтессе из Вологды Ольге Фокиной - О. Анофриев объединяет их в своей программе только по той причине, что нашел в их сочинениях образы и мысли, волнующие его самого, не могущие волновать. И это волнение артиста передается и нам. И мы уже тоже не можем оставаться равнодушными, будь то история грустная или веселая - все равно.
О. Анофриев находит очень верную, доверительную интонацию, приглашая нас к собеседованию - раздумью. Это не мешает ему пользоваться произведениями, разнящимися по теме, жанру, времени написания. Ничего не рассказывая о себе, самим выбором соавторов своего повествования он дает достаточно полное и точное представление о себе самом, о своих пристрастиях, взглядах на жизнь и искусство.
О. Анофриев много поет, часто сам себе аккомпанирует на рояле. И это его авторское исполнение - большинство песен принадлежит О. Анофриеву - открывает еще один дополнительный угол зрения на все творчество актера. И теперь мы пребываем в полной растерянности: так кто же он такой - Олег Анофриев?!
Актер, снимающийся в кино, а в свободное от работы время сочинитель стихов и песен? Отчего же многие из них до того известны, что мы и не подозревали об авторстве О. Анофриева? Знаете ли вы, что он написал свыше пятидесяти песен, многие из которых постоянно звучат по радио, телевидению, с киноэкрана. Это он автор текста и музыки таких песен, как "Река - судьба", "Одуванчики", "Колыбельная", "Весенняя, "Водолаз"... "Какая песня без баяна" давно считается народной, а ведь ее тоже сочинил Олег Анофриев.
Но, может быть, он поэт? Или композитор?
В том-то и дело, что путь к себе - самый долгий, самый сложный, самый неисповедимый. Не думаю, что О. Анофриев специально задавался целью стать профессиональным поэтом или композитором. Тем более вряд ли он надеялся, что после премьеры моноспектакля и те, и другие признают его "своим", пригласят вступить в творческие союзы писателей и композиторов. Просто он вышел к нам, чтобы поделиться своими радостями и горестями. И оказалось, что поэзия и музыка - чужая и собственная - помогли ему найти самый короткий путь к нашим сердцам. А заодно определили его собственный - Олега Анофриева - путь к себе, в свой мир , как выяснилось, широкий, многокрасочный, добрый, светлый... Так ведь тоже бывает! Взято с http://www.anofriev.ru/biography.htm
Давайте не буду мучить вас вперед слушаем: Для начала конечно же "Есть только миг"(в разные года) (очень глубокий смысл и такое же исполнение)
А эту знаете? Спят усталые игрушки (я про голос только, а то подумаете что он и автор (Музыка А. Островский, слова З. Петрова.))
Песенка шофёра узнаете?
Приятного прослушивания в следующий раз о Бобе Марли п.с. добавляется регулярно, но по мере возможности
Сообщение отредактировал Инопланетянин - Среда, 09.11.2011, 17:31:20
Дата: Вторник, 27.12.2011, 19:22:20 | Сообщение # 3
Группа: Удаленные
Боб Марли
Боб Марли... что может лучше этого имени... сразу тобой овладевает такое расслабленное состояние, ты на Гаваях, в руках у тебе толстая сигара, в руках бокал мартини... нежный бриз и палящее солнце... пфу какая гадость! Но как приятно... Да о чем это я? Ах да Боб Марли. Что вы еще не знаете кто это? Да ну... ну это.. это.. черт этого не объяснишь, это надо слушать, этим надо быть пропитанным, вот только тогда ты поймешь - мда, это ведь Боб Марли
Боб Марли (англ. Bob Marley; полное имя Ро́берт Не́ста Ма́рли, англ. Robert Nesta Marley; 6 февраля 1945, Найн-Майлс, Ямайка — 11 мая 1981, Майами) — ямайский музыкант, гитарист, вокалист и композитор. Несмотря на то, что со времени его смерти прошло 30 лет, Боб Марли до сих пор является самым известным исполнителем в стиле регги. Именно благодаря его международному успеху регги приобрёл широкую популярность за пределами Ямайки. Боб Марли был одним из виднейших сторонников панафриканизма и правоверным растаманом; многие другие последователи этой религии даже считают Марли пророком.
Биография
Ранние годы
Боб Марли родился в деревне Найн-Майлс, Ямайка. Его отец, Норвал Марли, по происхождению европеец, служил офицером ВМС Великобритании, а потом служил управляющим на одной из плантаций Ямайки. Там он познакомился со своей будущей женой, восемнадцатилетней ямайской девушкой Седеллой Букер. Вскоре после рождения Боба Норвал под давлением своей предыдущей семьи покинул Седеллу, но продолжал оказывать ей финансовую поддержку и иногда навещал сына. Когда-то, ещё не влившись в течение регги, совсем молодой Боб Марли был руд-боем. Руд-бои всячески подчеркивали свое презрение к опасностям. Одним из внешних признаков руди была бритая голова, очевидно, связанная с криминальной романтикой. Излюбленной одеждой руд-боев был чёрный костюм, а также галстуки и шляпы, заимствованные из американских приключенческих фильмов. В конце 1950-х Марли, как и многие другие ямайские провинциалы, перебрался вместе с матерью в столицу Ямайки Кингстон, где поселился в бедном районе Тренчтаун. Там он познакомился с Невиллом Ливингстоном по прозвищу Банни, с которым и начал делать свои первые шаги в музыке. После окончания школы Марли устроился работать сварщиком, а в свободное время совершенствовал свои музыкальные навыки. Помощь в этом ему оказал известный ямайский музыкант Джо Хиггс, дававший Марли и Банни бесплатные уроки вокала. Вскоре состоялось знакомство с Питером Макинтошем, который позже станет известен как Питер Тош.
Начало карьеры
В 16 лет Боб Марли дебютировал с синглом «Judge Not», который написал вместе с Джо Хиггсом. В 1963 году при помощи того же Хиггса Боб Марли организовал вокальную группу The Wailers, в которую, помимо него, вошли Питер Тош, Банни Ливингстон, Джуниор Брейтуэйт, Черри Грин и Беверли Келсо. Музыкальным директором группы стал ее бас-гитарист Астон "Family Man" Баррет. Первый же сингл группы «Simmer Down» (1964) возглавил хит-парад Ямайки и разошёлся тиражом более чем 80 тысяч экземпляров. В 1965 году The Wailers сократили состав до трио и, несмотря на успех песен (например, «Rude Boy» вошла в местный «Тор 10»), в 1966 году распались. Некоторое время Боб Марли работал подсобным рабочим на автомобильном заводе в США, куда переехала его мать, но вскоре вернулся на Ямайку и воссоздал The Wailers. Группа работала в самых разных жанрах — ска, калипсо, фьюжн, но за пределы острова её популярность не распространялась. В 1971 году музыканты организовали собственную фирму грамзаписи «Tuff Gong», но и это предприятие успеха не имело. Однако в конце 1971 года Боб Марли подписал контракт с американским певцом Джонни Нэшем и написал для него две песни, ставшие хитами: «Guava Jelly» и «Stir It Up». В 1972 году «The Wailers» наконец получили контракт с международной фирмой Island Records и выпустили альбом «Catch A Fire», ставший их первой продукцией, которая вышла за пределы Ямайки. Популярность группы росла, и во многом музыкантам помог Эрик Клэптон, который включил в свой альбом композицию The Wailers «I Shot The Sheriff», ставшую международным хитом. В 1973 году группа предприняла гастроли по США. Вскоре Тош и Ливингстон покинули группу, начав сольную карьеру.
Bob Marley & The Wailers
Боб Марли включил в состав The Wailers женское вокальное трио(группа I-THREE,в состав которой входила жена Боба, Рита Марли), сменил название на Bob Marley And The Wailers и вместе со своим бывшим наставником Хиггсом отправился в турне по Африке, Европе и обеим Америкам. К середине 1970-х годов Боб Марли и его группа стали признанными лидерами регги, а в Великобритании практически все новые песни Марли входили в «Тор 40» («No woman, no cry», 1975; «Exodus», 1977; «Waiting In Vain», 1977; «Satisfy My Soul», 1978) и Top 10 («Jamming», 1977; «Is This Love», 1978). В США, однако, лишь композиция «Roots, Rock, Reggae» попала в хит-парад категории «поп» (1976, 51-е место), а «Could You Be Loved» прошла по категории соул (1980, 56-е место), но альбомы группы неизменно занимали высокие места, а песни «любви, веры и бунта», как называли их произведения журналисты, пользовались невероятной популярностью в среде интеллектуальной элиты. На Ямайке же Боб Марли стал настоящей культовой фигурой, его политические и религиозные выступления публика воспринимала как откровения святого. В 1976 году на него, поневоле оказавшегося втянутым в местную политику, было совершено покушение. Несмотря на тяжелую рану, он провел все запланированные концерты, объяснив это тем, что в мире слишком много зла и он не имеет права тратить хотя бы один день впустую.
Поздние годы жизни
В июле 1977 года у Марли была обнаружена злокачественная меланома на большом пальце ноги (появившаяся там вследствие футбольной травмы). Он отказался от ампутации, мотивируя это боязнью потерять возможность играть в футбол и потерять пластику на сцене, кроме того, растафари верят, что тело должно оставаться «целым»:
Раста не приемлет ампутации. Я не допускаю, чтобы человека разбирали на запчасти.
В 1980 году Марли выступил в Зимбабве, получившей в том году независимость от Великобритании: к тому времени Марли был символом африканского единства, особенно в бывших колониальных странах. Следом прошли успешные гастроли по Германии. Однако намеченное американское турне было отменено, когда, проведя два концерта в Мэдисон-Сквер-Гарден, певец потерял сознание во время пробежки в центральном парке Нью-Йорка. Боб Марли прошёл курс лечения в Мюнхене у специалиста по раковым заболеваниям Джозефа Исселса, но безрезультатно (кстати, во время лечения Бобу были вырезаны гланды и каждый день проводилось переливание крови). 4 мая 1980 года Боб Марли крестился в Эфиопской православной церкви в Кингстоне и взял имя Берхане Селласие (на амхарском языке — Свет Святой Троицы). Затем он был награждён Ямайским Орденом Почёта. Боб Марли желал провести свои последние дни на Ямайке, но из-за состояния здоровья перелёт из Германии пришлось прервать в Майами, Флорида. Несмотря на интенсивное лечение, 11 мая 1981 года Боб Марли скончался в больнице. Последними словами, сказанными им сыну, были: «Money can’t buy life» (рус. Жизнь за деньги не купишь). Боб Марли был похоронен на Ямайке. Его похороны прошли по законам Эфиопской православной церкви, при соблюдении традиций растафарианства. В склепе рядом с ним покоятся гитара «Gibson Les Paul», футбольный мяч, пучок марихуаны, Библия и кольцо, которое он носил постоянно (подарок эфиопского принца, старшего сына Хайле Селассие I).
Дискография
1970 Soul Rebels 1973 Catch A Fire 1973 Burnin' 1974 Rasta Revolution 1974 Natty Dread 1975 Live! Запись концерта в «Lyceum Theatre», Лондон, июль 1975 1976 Rastaman Vibration 1977 Exodus 1978 Kaya 1978 Babylon by Bus Записи с концертов в Европе 1979 Survival 1980 Uprising 1983 Confrontation 1984 Legend Сборник; благодаря его популярности, неоднократно позже выходил в различных дополненных версиях 1991 Talkin' Blues Запись концерта в «Record Plant», Сан-Франциско, 1973 2003 Live At The Roxy Запись концерта в «Roxy», Голливуд, май 1976
Награды и номинации
Июнь 1978: Награждён медалью «третьего мира» от Организации Объединенных Наций Февраль 1981: Награждён орденом «За заслуги», за вклад в историю Ямайки Март 1994 года: Добавлен в Зал славы рок-н-ролла 1999: Альбом века «Exodus» Февраль 2001: Получил звезду на Голливудской аллее славы Февраль 2001: Награждён премией «Грэмми» 2004: Журнал Rolling Stone поставил его на 11 строчку в списке 100 величайших артистов всех времен «One Love» по версии BBC песня тысячелетия По опросу BBC назван одним из величайших лириков всех времен 2010 Сингл «Catch Fire» введен в зал славы премии «Грэмми» (Reggae Album)
Взято с Википедии
Давайте слушать
Для начала Three Little Birds
Конечно же куда мы без No Woman No Cry
На последок One Love
Приятного прослушивания, в следующий раз о Антонио Вивальди
Добавлено (11.11.2011, 16:19) --------------------------------------------- Вивальди Знаете, когда говорят Вивальди, мне сразу переставляется эдакое королевское ложе, большой дворец и прочие атрибуты монархии, ведь его музыка пропитана этим не то что на сквозь, а кажется она просто из этого сделана. Честно скажу это мой любимый классический композитор. И как я люблю говорить о великих - ничто лучше не скажет о них чем их творчество
Анто́нио Лу́чо Вива́льди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция — 28 июля 1741, Вена) — венецианский композитор, скрипач, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века, при жизни получил широкое признание во всей Европе. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо, автор 40 опер. Вивальди в основном известен благодаря своим инструментальным концертам, в особенности для скрипки. Его наиболее известной работой является серия из 4 скрипичных концертов «Времена года».
Биография
Рождение и детство
Антонио Вивальди родился 4 марта 1678 года в Венеции, являвшейся в ту пору столицей Венецианской республики. До середины XX века исследователями биографии Вивальди предполагались различные даты рождения композитора, встречались утверждения, что он родился в 1675 году, приводились и иные даты. Обнаруженные в январе 1963 года английским ученым Эриком Полом (Eric Paul) записи церковного прихода Святого Иоанна в Брагоре (предместье Венеции) позволили окончательно установить дату рождения композитора. Согласно этим записям, Антонио Вивальди родился 4 марта 1678 года и в тот же день был крещён в этом соборе. Крещение было срочно произведено акушеркой, так как мальчик родился хилым и был под угрозой смерти. Далёкие предки Антонио были уважаемыми людьми в Брешии, где в 1655 году родился и отец композитора, Джованни Баттиста. В десять лет Джованни переехал с матерью в Венецию, где обучался парикмахерскому ремеслу. В то время в итальянских цирюльнях для занятия свободного времени клиентов, как правило, держали различные музыкальные инструменты. Джованни время от времени музицировал на скрипке и впоследствии полностью посвятил себя музыке. В 1677 году Джованни женится на Камилле Каликкьо и годом позже у них рождается сын — Антонио. Согласно церковным записям, у Антонио было три сестры — Маргарита Габриэла, Чечилия Мария и Дзанетта Анна, и два брата — Бонавентура Томассо и Франческо Гаэтано, которые продолжили дело отца и стали впоследствии цирюльниками. В 1685 году имя Джованни Баттисты значилось в списке создателей музыкального сообщества «Sovvegno dei musicisti de Santa Secilia», директором которого был известный композитор, автор ряда опер Джованни Легренци. Впоследствии Джованни стал главным скрипачом в капелле собора Святого Марка. Примечательно, что в те годы его полное имя значилось, как Джованни Баттиста Росси. За непривычный для венецианцев рыжий цвет волос, который Антонио унаследовал от отца, его впоследствии называли «рыжим священником» (итал. il prette rosso). О юношеских годах композитора и его музыкальном образовании имеется мало сведений. Скорее всего, именно отец и стал первым музыкальным наставником Антонио, научив его игре на скрипке. С десяти лет Антонио стал играть на скрипке, в 1689—1692 годах замещал отца в капелле собора Святого Марка ввиду его частых отлучек из Венеции. Согласно некоторым источникам, Антонио обучался теории музыки и композиции у Джованни Легренци, но учитывая, что Легренци умер в 1690 году, многими исследователями факт наставничества Легренци над юным Антонио ставится под сомнение. Виртуозная игра на скрипке и отголоски в ранних произведениях Антонио музыкального стиля известного римского скрипача Арканджело Корелли стали причиной предположений, что, возможно, Антонио обучался игре на скрипке у этого мастера. Однако на сегодняшний день нет явных свидетельств, подтверждающих это, и временная хронология дат церковной службы Антонио не совпадает с датой предполагаемого его обучения в 1703 году в Риме.
Юность
Служба отца в церковном соборе и контакты с духовенством повлияли на выбор дальнейшей карьеры юного Антонио. Он принял решение стать священнослужителем, и это вполне объяснимо, так как в Италии тех времён являлось привычным делом совмещение духовной и музыкальной карьер[3]. 18 сентября 1693 года Антонио был пострижен в монахи, 18 сентября 1700 года был возведён в сан дьякона. 23 марта 1703 года Вивальди рукоположен в сан священника[4]. На следующий день отслужил первую самостоятельную мессу в церкви Сан-Джованни ин Олео. 1 сентября 1703 года поступил на службу преподавателем по классу скрипки (maestro di violino) в консерваторию церковного приюта «Пиета», которая славилась как одна из лучших музыкальных школ для девочек. Позднее стал дирижёром оркестра и руководителем концертов (maestro de concerti), в обязанности Вивальди входило сочинение музыки для многочисленных светских и духовных концертов этой консерватории. Профессию музыканта он совмещал с духовным саном аббата-минорита, но затем был отрешён от сана священнослужителя за «недозволенное» поведение во время церковной службы[5]. В 1703 году Вивальди получил заказ от графини Лукреции Тревизан отслужить 90 обетных заутреней в церкви Святого Иоанна. 17 августа 1704 получил дополнительное вознаграждение за преподавание игры на viola d’amore. Отслужив половину обетных заутреней, Вивальди отказался по состоянию здоровья от заказа Лукреции Тревизан. В 1705 году издательство Джузеппе Сала в Венеции опубликовало его 12 сонат, обозначенные опусом 1. В последующие годы Вивальди неоднократно обращался к жанру сонаты для одного и нескольких инструментов. Второй опус Вивальди, опубликованный в Венеции издательством Бортоли в 1709 году, включал 12 сонат для скрипки с сопровождением чембало (итальянское название клавесина). В 1706 году состоялось первое публичное выступление Вивальди во дворце французского посольства. Имена виртуозных скрипачей, отца и сына Вивальди, упоминается и в издании «Путеводителя по Венеции», подготовленного итальянским картографом Винченцо Коронелли. В этот период Вивальди перезжает с площади Брагора в новый, более просторный дом в соседнем приходе Сан-Проволо. В 1711 году были опубликованы 12 концертов «L’estro armonico» («Гармоническое вдохновение»). В этом же году он получил твердый годовой оклад и стал главным руководителем концертов воспитанниц, с 1713 года директором женской консерватории «Пиета» («Ospedale della Pietа»). В эти годы юный Вивальди усиленно трудится, совмещая преподавательскую и композиторскую деятельность. Его имя становится известным в родной Венеции, а учитывая то, что Венеция была в ту пору центром международного туризма и посещалась большим количеством путешественников, популярность Вивальди распространяется за пределы Венеции. Так, в 1709 году во время представления оратории в «Пиете» Вивальди был представлен датскому королю Фредерику IV, которому впоследствии посвятил 12 скрипичных сонат. В 1712 году, во время пребывания в Венеции, произошла встреча немецкого композитора, капельмейстера из Бреслау Готтфрида Штольцля (Gottfried Heinrich Stölzel) с Антонио. Таким образом, Штольцль был первым немецким музыкантом, лично контактировавшим с Вивальди.
Начало композиторской деятельности. Венеция (1713—1718)
В 1713 году Вивальди написал своё первое произведение, трехактную оперу «Ottone in villa» («Оттон на вилле»), премьера постановки которой произошла 17 мая того же года на сцене венецианского Театро делле Грацие (Teatro delle Grazie). Эта опера представляет собой характерный образец оперы-сериа с ее растянутостью действия и запутанной сюжетной интригой. Написанная на либретто Доменико Лалли, с которым Вивальди впоследствии неоднократно сотрудничал, она воссоздает один из эпизодов римской истории. В соответствии с обычаем в качестве солистов, исполнявших и мужские и женские партии, выступали певцы-кастраты. Их исполнение сочетало силу и блеск мужских голосов с лёгкостью и подвижностью женских. По-видимому, постановка имела значительный успех, так как привлекла внимание венецианских импресарио. Вскоре Вивальди получил заказ (scrittura) на новую оперу от Модотто, владельца театра Сан-Анджело, с которым он поддерживал контакт вплоть до своей последней оперы «Фераспе» (1739). Год спустя, в 1714 году, он написал свою вторую оперу «Orlando finto pazzo» («Роланд, мнимый безумец»), написанную на либретто Грацио Браччьоли, представляющюю собой свободную переработку известной поэмы «Неистовый Роланд» итальянского поэта Людовика Ариосты[9]. Вскоре композитор написал две оратории на латинские тексты, «Моисей, бог фараонов» в 1714 году и «Юдифь торжествующая» в 1716 году. Партитура его первой оратории «Моисей, бог фараонов» была впоследствии утеряна. В римской консерватории Святой Сессилии сохранился только текст оратории с указанием имен исполнителей, из которого видно, что все партии, включая мужские персонажи, исполнялись девушками — воспитанницами. Оратория "Юдифь торжествующая", отличающаяся свежестью мелодического вдохновения и тонкостью оркестрового колорита, относилась к лучшим созданиям Вивальди. С широким признанием таланта комозитора и педагога увеличивалось и количество учеников Вивальди, однако ни новые ученики, ни обилие композиторской работы в консерватории "Пиета" не могли отвлечь Вивальди от интенсивной работы в театре. В 1715 году он получил заказ от театра Сан-Анджело — 12 главных арий в опере «Nerone fatto Cesare» («Нерон, ставший Цезарем»). В 1716 году Вивальди по заказу театра Сан-Анджело написал еще одну оперу «L’incoronazione di Dario» («Коронация Дария»). В этом же году им была написана опера «La costanza trionfante degl'amori e de gl'odii» («Постоянство, торжествующее над любовью и ненавистью») для второго по значимости венецианского театра Сан-Мозе, с которым композитор был также тесно связан в последующие годы. Премьеры этих опер состоялись на карнавале 1716 года.[9] О том, что Вивальди становится знаменитым не только в Венеции, но и за её пределами, свидетельствует и то, что в 1718 году его опера «Scanderbegh» («Скандербег») ставится на сцене флорентийского театра. В целом, период с 1713 по 1718 год считается многими исследователями самым продуктивным этапом в творчестве композитора: за эти пять лет он написал в общей сложности восемь опер.
Жизнь в Мантуе (1719—1722)
О периоде жизни композитора с 1719 по 1722 год мало что известно. Судя по письму композитора от 1737 года и его аннотациям к операм, становится ясным, что Вивальди провёл эти годы в городе Мантуя и частично в Германии. На титульном листе либретто к опере «La Verita in Cimento» он называет себя Maestro di Capella di Camera il Principe Filippo Langravio d'Assia Darmstadt из чего следует вывод, что с 1720 года, предположительно по 1723 год, Вивальди служил у маркграфа Филиппа Гессен-Дармштадтского, возглавлявшего в то время войска австрийского императора Карла VI в Мантуе и Неаполе. В Мантуе Вивальди познакомился с оперной певицей Анной Жиро (Anna Giraud), дочерью французского парикмахера. Это знакомство оказало большое влияние на последующую судьбу Вивальди. В своих посланиях к драматургу Карло Гольдони Вивальди представляет ему Анну Жиро как свою «прилежную ученицу». По мнению исследователей, именно Вивальди принадлежит большая заслуга в становлении Анны Жиро как оперной певицы. Это вполне вероятно, так как итальянские оперные композиторы обычно в совершенстве знали секреты вокальной техники. Современники отзывались об Анне как об искусной и одухотворенной певицей с приятным, хотя и скромным по диапазону голосом. Карло Гольдони писал, что «она была некрасива, но очень изящна, имела тонкую талию, красивые глаза, прекрасные волосы, прелестный ротик. У нее был небольшой голосок, но несомненное актерское дарование». Постоянной спутницей Вивальди стала также сестра Анны Жиро, Паолина, которая стала своего рода медицинской сестрой композитора и приняла на себя заботы о здоровье композитора, болевшего бронхиальной астмой. После трехгодичной службы в Мантуе Вивальди вместе с Анной и Паолиной возвратился в Венецию, где Анну острые на язык венецианцы называли «подругой рыжего священника». В Венеции, обе они постоянно жили в доме Вивальди и сопровождали его в многочисленных путешествиях, связанных в то время с опасностями и лишениями. Эти слишком тесные для духовного лица взаимоотношения с сестрами Жиро неоднократно вызывали нарекания со стороны церковников. Этому способствовало и появление огромного количества народных слухов и домыслов вокруг персоны Вивальди. Так, по одному из слухов Вивальди был евнухом. Нарушение норм поведения священника привело к тяжелым для Вивальди последствиям и обострению его отношений с церковной знатью Папской области. Известно, что в 1738 году кардинал-архиепископ города Феррары запретил Вивальди въехать в город и отслужить мессу ввиду грехопадения композитора. Несмотря на все это, он всегда с большой душевной твердостью отстаивал честь и человеческое достоинство спутниц своей жизни, неизменно отзываясь о них с глубоким уважением.
Римский период (1723—1724)
После трехгодичной службы в Мантуе Вивальди возвратился в Венецию. В 1723 году состоялась его первая поездка в Рим и постановка новой оперы «Ercole sul Termodonte» («Геркулес на Термодонте»). Эта опера произвела большее впечатление на римлян. Известный флейтист, композитор и музыкальный теоретик Иоганн Иохим Кванц, прибывший в Рим через полгода после премьеры оперы, заметил, что „публике так понравился «ломбардский стиль» Вивальди, что с тех пор не хотела слушать другой музыки“. В феврале 1724 года Вивальди вновь посетил Рим для участия в премьере оперы «Giustino» («Джустино»). Третья опера, «La virtù trionfante dell’amore, e dell’odio, overo Il Tirane» («Добродетель, торжествующая над любовью и ненавистью»), написанная в 1724 году и представленная в том же году на римском карнавале, завершила триумфальный успех произведений композитора в Риме, выступление в котором считалось серьезным испытанием для любого композитора[9]. В этот же приезд состоялась его аудиенция у папы Бенедикта XIII, которому композитор исполнил отрывки из двух свои произведений. Хотя многие исследователи считают, что Вивальди был принят папой Бенедиктом XIII, по мнению немецкого исследователя Карла Хеллера (Karl Heller) это могла быть и аудиенция у его предшественника, Иннокентия XIII. Если предполагать что Вивальди был принят Бенедиктом XIII, то это означает, что он пробыл в Риме дольше, чем во время своего первого визита, так как Бенедикт XIII был избран папой лишь 29 мая 1724 года. В 1725 году в Амстердаме был издан цикл из 12 концертов «Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione» («Искус гармонии и инвенции» или «Спор Гармонии с Изобретением»), написанный им приблизительно в 1720 году. Всемирно известные, в России неточно именуемые «Времена года», четыре первые концерта этого цикла уже тогда произвели неизгладимое впечатление на слушателей своей неистовой страстностью и новаторством. Правильное название — «Четыре времени года» (Le quattro stagione), что прямо отсылает к многозначной символике цикла. Работавший в то время во французском посольстве в Венеции Жан-Жак Руссо высоко ценил музыку Вивальди и любил сам исполнять кое-что из этого цикла на любимой им флейте. Также широко известны концерты Вивальди — «La notte» (ночь), «Il cardellino» (щеглёнок), для флейты с оркестром, концерт для двух мандолин RV532, отличающиеся художественной изобразительностью и гармонической щедростью, свойственной его произведениям, а также духовные сочинения: «Gloria», «Magnificat», «Stabat Mater», «Dixit Dominus». В 1735 году вновь недолго был капельмейстером.
Последние годы жизни
В середине мая 1740 года музыкант окончательно оставляет Венецию. Он прибыл в Вену в неудачное время: только что скончался император Карл VI, и началась война за австрийское наследство. Вене было не до Вивальди. Всеми забытый, больной и без средств к существованию он скончался в Вене 28 июля 1741 года. Квартальный врач зафиксировал смерть «преподобного дона Антонио Вивальди от внутреннего воспаления». Похоронен на кладбище для бедняков за скромную плату 19 флоринов 45 крейцеров. Месяц спустя сёстры Маргарита и Дзанетта получили извещение о кончине Антонио. 26 августа судебный пристав описал его имущество в счёт погашения долгов.
Музыка
Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Все свои оперы Вивальди написал на сюжеты одного и того же драматурга — Карло Гольдони. Хотя обласканный им Гольдони после смерти рыжего священника высказался о нём в мемуарах как о довольно посредственном композиторе. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Инструментальные концерты Вивальди являлись этапом на пути формирования классической симфонии. Современники нередко критиковали его за чрезмерное увлечение оперной сценой и проявленные при этом поспешность и неразборчивость. Любопытно, что после постановки его оперы «Неистовый Роланд», друзья звали Вивальди, не иначе как Дирус (лат. Неистовый). Оперное наследие композитора в настоящее время ещё не стало достоянием мировой оперной сцены. Его авторство приписывается примерно 94 операм, хотя из них точно определены лишь около 40. Лишь в 1990-е годы в Сан-Франциско успешно поставлен «Неистовый Роланд». Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Значительный вклад в изучение творчества Вивальди внесли французский музыковед Марк Пеншерль (Mark Pincherle) и немецкий музыковед Вальтер Кольнедер (Walter Kolneder).
Сочинения
Антонио Вивальди является автором 90 опер, в том числе «Роланд Неистовый» (Orlando furioso), «Нерон, ставший Цезарем» (Nerone fatto Cesare, 1715, там же), «Коронация Дария» (L’incoronazione di Dario, 1716, там же), «Обман, торжествующий в любви» (L’inganno trionfante in amore, 1725, там же), «Фарначе» (1727, там же, позднее также под названием «Фарначе, правитель Понта»), «Кунегонда» (1727, там же), «Олимпиада» (1734, там же), «Гризельда» (1735, театр «Сан-Самуэле», Венеция), «Аристид» (1735, там же), «Оракул в Мессении» (1738, театр «Сант-Анджело», Венеция), «Ферасп» (1739, там же); оратории — «Моисей, бог фараона» (Moyses Deus Pharaonis, 1714), «Торжествующая Юдифь» (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), «Поклонение волхвов» (L’Adorazione delli tre Re Magi, 1722) и др.; Автор более 500 концертов, в том числе: 44 концерта для струнного оркестра и бассо континуо; 49 кончерти гросси; 352 концертов для одного инструмента с сопровождением струнного оркестра и/или бассо континуо (253 для скрипки, 26 для виолончели, 6 для виоль д’амур, 13 для поперечной, 3 для продольной флейт, 12 для гобоя, 38 для фагота, 1 для мандолины); 38 концертов для 2 инструментов с сопровождением струнного оркестра и/или бассо континуо (25 для скрипки, 2 для виолончели, 3 для скрипки и виолончели, 2 для валторн, 1 для мандолин); 32 концерта для 3 и более инструментов с сопровождением струнного оркестра и/или бассо континуо. Автор свыше 100 сонат для различных инструментов с сопровождением бассо континуо; светских кантат, серенад, симфоний, Stabat Mater и других церковных произведений. Одно из самых известных произведений — цикл из 4 скрипичных концертов «Четыре времени года» — ранний образец программной симфонической музыки. Вивальди внес существенный вклад в развитие инструментовки, он первым применил гобои, валторны, фаготы и другие инструменты как самостоятельные, а не дублирующие.
Вивальди в искусстве
Сохранилось несколько произведений искусства, на которых изображен Вивальди. Так, в 1723 и 1725 годах портреты композитора были написаны французским художником Франсуа Морелон дела Кавэ,однако наиболее известный цветной портрет,это лишь предполагаемый портрет Вивальди,т.к. подписи его фамилии на нём нет,а предположение что на нём изображён величайший композитор сделано лишь из соображений того,что портрет обнаружен в Венеции и изображает скрипача (а Вивальди был скрипачом-виртуозом),однако внешнее несходство этого портрета с остальными и отсутствие на нём инициалом композитора,дают основания сомневаться в том,что цветной портрет действительно изображает Вивальди. Одна из картин хранится в Международном музее музыки (Museo internazionale e biblioteca della musica) в Болонье. В 1723 году итальянским художником Пьер Леоне Гецци была нарисована карикатура на композитора - «Рыжий священник».
Память
Именем Антонио Вивальди названы: кратер на планете Меркурий[16]. итальянский институт в Сиене[17], (возглавлял Франческо Малипьеро).
Слушаем:
Для начала Концерт для двух скрипок в Ля-минор
Концерт для четырёх скрипок в Си-минор, первая часть Аллегро
Ну и куда же без Four Seasons (Summer) в исполнении Vanessa Mae и Steve Vai
Приятного прослушивания в следующий раз о группе The Beach Boys
Добавлено (15.11.2011, 15:19) --------------------------------------------- Так как лимит знаков исчерпан продолжение будет после решения проблемы статьи продолжают публиковаться на НЛО
Добавлено (25.12.2011, 00:53) --------------------------------------------- Всем привет сегодня о легендарных The Rolling Stones. В общем написал предыдущую фразу и задумался: и чё ж такого о них сказать? Ребята никогда мне не нравились, всегда любил момент в Симпсонах, когда говорили, что они масоны и плохо играют(при чём это озвучивали сами Rolling Stones). Хотел было не писать о них, но вновь остановился: коли группа столько лет на плаву, значит есть в них что-то так что встречайте The Rolling Stones!!!
Angie - пожалуй единственная достойная вещь в их репертуаре(моё мнение)
Anybody Seen My Baby
И на последок Paint it Black
Приятного прослушивания! p.s. Возможно вы заметили, что формат муз уголка изменился, причиной тому стала публикация на многих сайтах, а потому возрастание заявок на исполнителей, что усложняет публикацию в старом формате, да и не думаю, что стоит акцентировать внимание на биографии с вики, если можно просто коротко сказать о ребятах.
Добавлено (26.12.2011, 14:58) --------------------------------------------- Всем привет сегодня без лишней пафосности о самом великом украинском певце - Назарие Яремчуке. Його вклад в развитие украинского искусства, возрождения забытой истории просто неоценимый. тот человек дал дорогу многим прекрасным певцам и певицам (ротару, Нина Матвиенко, Гнатюку, Ивасюку и другим). Но главное это голос... божественный, незабываемый голос. Слушаем:
Стожары
Гай,зелений гай
Батько і мати
Ну и на последок песня, которую он написал сам себе - У райськім саду (Яворина)(исполняет Степан Гига)
Приятного прослушивания.
Добавлено (27.12.2011, 19:22) --------------------------------------------- Всем прювет. Сегодня впервые о музыкальном инструменте, а не исполнителе. Сегодня о первом электромузыкальном инструменте, созданного в 1919 году русским изобретателем Львом Сергеевичем Терменом - сегодня о терменвоксе. Наверное са
Сообщение отредактировал Инопланетянин - Воскресенье, 25.12.2011, 00:54:06